聚光灯亮了。舞者翩然起舞，歌者纵情歌唱，演员沉浸剧中。
聚光灯暗了。脚尖上的梦，歌声里的情，人生如戏，戏如人生。
灯光的明灭之间，是表演者和观赏者都一时难以平复的心境。台上的心被揉碎了，台下的心慢慢沉醉了，清脆的破碎声溅在每个观者的心里，最终醉成惊艳的震撼。美，就自顾自地美着，光芒遮住了背面的苦痛。
艺术创作就是这样一个从“心碎”到“心醉”的过程吧，而我们今天之所以很难见到令人“心醉”的作品，大抵是因为太多的艺术家都不再愿意付出“心碎”的代价。作品让人心醉的力量来源于艺术家一次又一次撕裂和揉碎着自己的心，挤出新鲜的血液不断滋养它们的生命。这心碎的血，比烈酒更能醉人。
如果真的热爱音乐，即使手指断了不能弹琴，那最美的旋律也始终会流淌在心里;真正的舞者，即使带着锋利的镣铐，也能将心碎的痛苦化成最美的舞蹈。所以忧伤的莫扎特弹奏出了世间最欢快的音符，卓别林的喜剧总让人笑到流泪，笑到心碎。与绘画相伴相知走过了几十年的人生之路，经历了一场又一场盛大的演出，我深深地知道，每一件光芒四射的艺术作品其实都是艺术家呕心沥血染织而成，而作品之所以具有催人泪下的力量，正是因为它凝聚着艺术家的滴滴心血。因此，最伟大的艺术家都是拓荒者，他的一生都在进行着不流血的探险。
真正能读懂艺术之美的人有多少——那些极致美好背后的无声哀伤?真正能走进艺术家内心的人又有多少，那份用心碎换心醉的伤感和决然?!即使一件作品、一个瞬间就足以决定和改变艺术家的一生，但其本身能够提供给观者的信息，相对于艺术家自身来说还是少之又少——那些画卷背后鲜为人知的故事，那些默默敲在软肋上的选择和挣扎，不是向任何人都能倾诉，也不是任何人都能懂。
但那又能怎样?只要我曾经全心全意地“心碎”过，只要你曾经沉浸在美好的“心醉”里。
而当我在明亮的聚光灯下尽心竭力地演出，请将幕帘后的安静角落，留给我为了你的心醉而揉碎了的——我的心。
真正的艺术家是哭着降生到这个世界，含着泪告别人生的，他的一生，可以一无所有，但是，眼眶里始终不能没有爱的眼泪。
-----蔡玉水
1995年6月6日，19年前的今天，一个32岁名不经传的毛头小伙子，带着他历尽十年艰辛、艰苦创作的大型水墨历史人物组画《中华百年祭》，登上了中国美术界的最高殿堂“中国美术馆中央园厅”。
“那巨大的祭奠式的民族历史悲剧主题，历史人物画思维方式和结构方式的转换，水墨人物画笔墨语言的变化，立即引起了美术界的高度关注。他使人想起了蒋兆和、周思聪......但是他比蒋兆和完成《流民图》（39岁）时小七、八岁，比周思聪创作《矿工图》期间小十余岁。他既在只有半个世纪历史的中国现代批判现实主义悲剧性绘画的系统里处在最近的点上而值得重视，也因其年轻而需要格外的爱护和培植。”—刘曦林（中国美术馆研究员、著名美术评论家）
我认为蔡玉水的《中华百年祭》是大型历史水墨人物画自蒋兆和《流民图》，周思聪、卢沉《矿工图》这两件重要的作品之后的，中国画里第三件非常有分量的、非常有力度的、非常有艺术性的、成功的中国人物画力作。-----邵大箴（中央美术学院教授、著名美术评论家）
一时间美术界为之震动，好评如潮。
时光荏苒，转眼19年过去了，当时的毛头小伙已是两鬓斑白，迄今为止，他仍是中国美术史上进入中国美术馆中央圆厅做个人展览的最为年轻的艺术家。
有人问起蔡玉水，这么多年来，你从未间断的、不停的表达和创作民族的历史事件还有当今事件，你最在意的是什么？蔡玉水说：“我最在意的是这个国家的面孔，民族的面孔。这个面孔不是高楼大厦所体现的，也不是用科技或者高速的经济发展能替代的，更不是简单GDP指数所能显现的。我一直在深刻的感受中华民族所呈现的面孔。这张面孔到底是什么呢？”他指着《中华百年祭》作品中的几张人物肖像说道：“这几张面孔无时不在提醒我、警醒我，中华民族所要解决的问题，最重要的是战胜愚昧，我们要在每一个个体的、活生生的人的面孔中看到信仰、希望与尊严，他们的面孔就是国家的面孔，民族的面孔。”
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