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人们去博物馆看真迹(尤其是绘画)的和在书本、网络上进行研究,意义有何不同?

放大字体  缩小字体 发布日期:2014-09-02  浏览次数:2582
核心提示: 人们去博物馆看真迹(尤其是绘画)的和在书本、网络上进行研究,意义有何不同?细节所谓细节,包括笔触,技法和色彩不失真。高水平的博物馆对于打光是非常非常考究的。不同的打光效果带来的视觉震撼是不一样的。另外,有些绘画,你通过不同的角度看,质感是不一样的。比如YvesKlein和PietMondrian,如果你背着光从画的侧面看的话,你就会发现绝非你看到的jpg那样普通和乏味,绝对是“柳暗花明又一村”的惊喜。
  人们去博物馆看真迹(尤其是绘)的和在书本、网络上进行研究,意义有何不同?
  
  1.细节
  
  所谓细节,包括笔触,技法和色彩不失真。
  
  2.质感
  
  高水平的博物馆对于打光是非常非常考究的。不同的打光效果带来的视觉震撼是不一样的。另外,有些绘画,你通过不同的角度看,质感是不一样的。比如YvesKlein和PietMondrian,如果你背着光从画的侧面看的话,你就会发现绝非你看到的jpg那样普通和乏味,绝对是“柳暗花明又一村”的惊喜。
  
  3.空间感
  
  很多大尺寸的画作,是要你切身实地地融入画作所在的空间才会有震撼的感觉。我第一次有这种体会实在马德里的Prado看Velasquez的宫娥。Prado将这幅高度达3米的作品展在一个很大的空间内,你获得的美感和震撼取决于你和这幅真迹的距离。加之画面的每个物体与实物同等大小,这些正显示出了Velasquez高超的技法,画家将每件物体都刻画得相当到位,毫不敷衍。质感、形体、空间、明暗的处理更是让人拍案叫绝,画家向人们展示了一个“真实”的时间片段的塑像。当然这都是你看jpg时无法体会到的
  
  4.对话感
  
  我在之前的回答中不止一次表达了这一观点。看图说话。这是我去年12月在纽约的MoMA拍的照片,我当时给这张图片配的文字是:IwasadmiringRothko'sNo.3/No.13fromafarwhenaladyinblackcameintomysightinMoMAtheotherday.AndIwasstartingtofeelRothko'sClourFieldpaintingsbecauseofthetranquillitythatthepresenceofthatverymomentexuded.Themagicalpowerofartitself...:-)你要是碰到此情此景,你能不动容么?
  
u=2552209179,570411231&fm=21&gp=0  我对绘画和雕塑都没有什么研究,最多是入门级别的鉴赏水准。但我去过巴黎的艺术馆看过真品后,最大的体会是:顶级的艺术品是无法被『复制』的。
  
  尤其是雕塑作品,因为它本身是三维的,所以只能亲眼看到真品后,才能挂一漏万地体会到原作的魅力和质感。我在卢浮宫看到胜利女神的雕塑后,其震撼性远非图片所能传递的。
  
  (图片来自百度)
  
  我无法准确地用文字描述出那种感受。因为,顶级的艺术品是无法被复制的。
  
  某年,我去巴黎拍摄某大品牌的秋冬季时装发布会,去之前看了大量的时装发布会视频资料,主要是研究如何拍摄,但说实话没什么感觉。但在现场,当开场音乐响起后,立刻起了一身鸡皮疙瘩。这种时装发布会还算不上什么顶级艺术品,但那种对所有细节都穷尽其力才营造出的质感和体验,确实是只有在现场才能感受到的,画面所能传递的只是其中非常非常小的部分。
  
  就像学习电影一样,只靠看下载和DVD是无法完全体会『电影』是什么的。只有去电影院看那些佳作,才能开始接触并思考『什么是电影』这个终极问题。
  
  电影作为一种完全依靠大量复制进行传播的艺术形式,都对观看条件有着严格的要求。对于那些具有唯一性和不可替代性的艺术作品来说,依靠其他形式的传播方式是无法取代『亲眼』看到的感受和体验。
  
  赞同:@何威威所说的,研究材料应尽量选取是第一手的。
  
  原因在于:
  
  1.第一手资料更具有真实性。第一手资料没有其他学者的润色和注解;比图册清晰、无色差、多细节。
  
  2.选用第一手材料才能算作研究工作。同撰写论文一样,我们通过其他学者的著述中得到的知识,必须通过考证才能使用;研究绘画也必须进行考证工作。而根据图册进行研究,并不算作考证。
  
  3.图册只能算作插图对待。研究需要就事论事,对于要研究的文本必须追溯其原本。根据图册只能算作道听途说。
  
  然而,我们在博物馆中研究真迹时,也有需要注意的事项:
  
  1.不要被博物馆自身的修辞格影响。博物馆的象征意义或说它的修辞形式往往使得其中的展品被过高估值。研究绘画时应该保持中立的、客观的态度。对于一个受过训练地学者而言,是很快能克服的。
  
  2.长时间凝视带来的问题。
  
  长时间凝视对于器具、雕塑的影响并不明显,而对于绘画则十分不利。长时间凝视一幅绘画,眼睛自发产生的后象效应将大大降低画面的色度。例如,当我们在相同的照度下,观看由大小一致、明度相同的两块红色和绿色并置的画面,乍一眼产生的闪烁效应将导致画面亮度、色度的增强;在长时间凝视后产生的后象效应则会使得红色区域的色相向绿色倾斜、绿色则向红色靠拢,从而降低了画面原有的色度。
  
  为了规避这种现象,我们应该每10分钟让眼睛休息一下。这是因为,后象效应的产生正是眼睛自发的调节状态。若用格式塔心理学术语来解释的话,视觉组织的功能符合“简洁律”:用最少的能产生最大的功。
  
  3.博物馆装配的射灯带来的问题。
  
  博物馆展示厅的环境从来都不是进行研究的最佳场所。有些博物馆会使用温暖柔和的黄灯照明,这就使得画面罩上了一层黄色调(在国内有这种情况)。当某一物体仅仅被单色光照亮时,物体将呈现非彩色的面貌。那些博物馆的射灯虽然并不是单色光,但其提供的黄色色光的量相较其他色光更大,这使得画面发生色相偏差。解决这一问题的方法是,申请在自然光下研究绘画;或者对于普通的爱好者可以自行携带白色手电筒观看。
  
  补充几点:
  
  1、去特定场所具有某种仪式感。也只有这样才能真正摒弃其他杂务,全身心的去欣赏。
  
  2、博物馆多采用漫反射的自然光。自然条件下的太阳光其实在很缓慢的变化,这是一种微妙的体验。
  
  3、真品只有一件,这一点是任何复制品(太容易获得)所不具备的。也许这是最大的理由。
  
  看到这组照片的时候,都震了,我再强调一遍,这是照片,注意细节,细致恢宏,我想到的第一反应,就是看到实物绝对比照片更加精彩。
  
  水彩画,看看照片体现出来的光影,实物绝对要比这张照片更有冲击力。
  
  看了这些难道不想去博物馆去朝圣,完成一场特殊的仪式吗?显示全部
  
  真迹最大的意味,是你站在它面前时能感受到时间的厚重和绵长。这是你在网上下拉网页浏览图片所不能拥有的体会。
  
  为什么一些明显不符合正常审美的作品会被认为是艺术珍品?
  
  通过书本、网络获得的内容是失真的。当你需求不高时这些失真可以容忍,但是当你需要严肃地研究它时就必须从真迹入手了。
  
  事实上没有本质区别,差别只在于现有技术仍不够。例如平面艺术如书画的分辨率绝比不上原作,现有数码图片的分辨率甚至比不上胶片摄影,更加比不上肉眼观察。立体艺术如雕塑等现在没有足够立体图像可供你查看,另外就是楼上所说尺度问题,一幅2m*15m的泼墨山水长卷,放在24寸的显示屏上是不会有冲击力的,而放大局部又会导致失去全局感。
  
  有朝一日像星球大战里面那种立体投影变成现实,精度和投影体积等达到高标准,那么我想很多人会更愿意在家看,毕竟数字化后可以不限时、多人同时、细致欣赏。
  
  如果3D打印机技术发展到位,你甚至可以原样复原一个,精度达到一定级别会没有任何差别。
  
  PS:有时去博物馆也会觉得可惜,灯光不够,展示面过少,不能用放大镜细细查看,都会导致即便站在实物面前,看到的细节也还不如网上官方发布的精致图片。
  
  尺度,和由尺度带来的观感是看画片体会不到的。
  
  我在印象画展的时候看雷诺阿的林间少女,原来所有的不解在远远的望见她的时候一切崩塌,一切言语都显得多余,只剩下在斑驳的树影下年轻的充满活力的少女。
  
  书本和网络上的研究是二、三手甚至四五手以上的知识,这些知识在传播过程中不可避免地会有失真和理解偏差,我们得到的知识就会越来越不准确,而参观真迹能让你直接了当地获得第一手的知识并给你带来具象、独特的感受,并校准原有知识的失真和理解偏差。
  
  前面已经很多人说了。我有同感,第一是细节,比如在兵马俑里的铜马车,里面每一支未取出和箭的羽毛都纤细可见,更不用说那多那复杂连杆机构的阳伞了。公开销售的复制器可能20%的细节都没有。还有很多艺术品在印刷,电视上是有色差的,象画,瓷器等。第二是大小,就是真实的东西的尺寸往往远超于你直觉的大小,比如故宫那一个花三年才从新疆拖回那一块巨大高达2米玉。站在它面前,就是震憾。第三是就是感情上共鸣,想想几千年前人的跟你看着同一样的东西,这份情感是任何精细的复制器无法代替的东西。
  
  Nooffense,但我真心想问那些说没差别的童鞋,你们真的对艺术有着发自内心的热爱吗?如果有,你们真的亲眼见过美术馆里那些大师之作吗?如果见过了还是觉得跟网上的高清版没区别,那我无话可说了。我在奥赛美术馆看到梵高的自画像的时候感动的热泪盈眶。本人的专业与美术没有半毛钱关系,也不懂得绘画的技巧,但是看到了,就是觉得画得好。P.S.梵高不是本人最爱的画家,所以应该与是不是脑残粉无关吧。只有当你真正亲眼看到那幅画的时候才能真切的感觉到,梵高这个人,他对艺术的追求,彷徨,痛苦,勇敢,这些都是真实存在的。他自画像里的每一笔都在诉说着他的经历。这是真实存在的,他的人生,而不只是一幅技巧高超的美术品而已。
  
  我承认有其他童鞋说的色彩和细节之类的问题,但绝不仅仅是这些问题。
  
  信息量不同
  
  在现场你能体会到不同的光影,立体的粗糙感;抚摸时的触感,闻到的味道……它们都是作品相关的信息,博物馆自身的设计也属于信息。这些汇聚成你的感受。
  
  你是在用五感和这之外的东西获取作品信息。
  
  通过书本网络你只是通过视觉,最多加上听觉。在感受时无关的光影、桌前的泡面味儿、楼下大妈打麻将的声音……这些干扰信息参与进来汇聚成你的感受。
  
  而且你所见所听还是多次处理过的,在每一个过程里都有失真。
  
  在原作跟前,会感受到印刷品、照片都无法传递的冲击。
  
  “冲击”这个词其实不是很准确。应该说只有当面对原作的时候,想象力才会被真正的激活。
  
  这个感觉就好像:面对面、眼对眼地说话,和打电话、写email的沟通,是完全不同的。
  
  也好像:抬头看到漫天繁星的感觉,和看一张照片上全是星星的感觉,是完全不同的。
  
  原作实在太有感染力了。以至于先看原作再看印刷品和照片、海报的话,会觉得索然无味。
  
  我个人甚至觉得应该完全不看印刷品照片海报就直接杀过去看原作。但这个操作难度太高,印刷品照片海报确实容易流通和传播,只是它们确实折杀了原作的许多魅力。
  
  博物馆看原作最大的感受就一个字“大”
  
  去过维多利亚博物馆是澳大利亚最大的公共博物馆,也去过惠灵顿的tePapa博物馆:
  
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  你在书本和网络里看到的各种图片,根本就感受不到原作的任何细节。但是在真实尺寸的油画面前,你会各种身临其境,想象当时绘画时的光影,光景,面前的世界,身边的环境。然后花了多长的时间,涂了多少个图层。你会不自觉的陷入到和作者的对话之中。
  
  艺术是要用感觉用身体去承受和记忆的。但是网络和书本中的图片,很难让身体和大脑产生冲击,很难带来真正的记忆。这也是为什么很多人说学设计和学艺术要去欧洲的原因。
  
  在国外,很多课堂教学,直接是老师把学生带到博物馆,直接在画下面讲课。他们为什么不用书本?远距离的接触,始终会让很多感觉失真。
  
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  世界是多维的,我们拥有五感,不要被二次元的世界所囚禁了,让视听以外的感觉迷失殆尽显示全部
  
  “看见真的”这件事情是去博物馆的意义所在,艺术品尤其是顶级的艺术品,从每个角度每个细节每个距离能得到不同的体验和欣赏价值。你可以主动的挖掘你想看到的部分,看它的质感、材料、真实的色彩。
  
  别说艺术品,就算听歌,网上有高清的MV随便听,张学友、王菲……演唱会的时候还不是一票难求。
  
  不知道题主是怎么看待艺术品如绘画之类的研究,这么多人关于博物馆的回答都是正面的,我只想问,你们看着那一幅幅图,走来走去不累嘛?真正造成这种博物馆里的东西很牛叉的错觉的应该是稀缺感,不是它对搞研究有什么用,如果是为了学习绘画,对了解单个作品的细节、画家本身的特点,如前面回答提到的,还是有用的,不过谷歌艺术计划已经可以代替这一功能,甚至比在博物馆更好,可以放大,也可以分类,除非你有特别的喜好,想看的东西网上找不到。而且,研究绘画或者其他艺术品起源风格流派,一个画家,一个时期,一个流派的所有作品基本不是放在同一个博物馆,甚至不在一个国家。我真心不觉得现在国内的博物馆(不知道国外的怎么样)是个好地方,占空间大,里面除了前人的艺术品基本没什么有价值的东西。偶尔走马观花还可以,看多了就会觉得都一个样,审美疲劳,感觉是吃力不讨好的事。
  
  你和女友滚床单和看AV研究有何不同?
  
  不理论。只说自己的亲身经历和体验。
  
  很喜欢法国印象派,尤其莫奈、雷诺阿、德加,之前都是电脑显示屏上看,前两天去了上博的“从巴比松到印象派:克拉克艺术馆藏法国绘画精品展“,看到真迹,完全两样。
  
  色差是一回事。更重要的是真真切切地看到了画家笔触轨迹和传说中印象派营造的”光泽感“。厚重细腻,用色或和谐或冲突,不拘泥于形式,取神似。可能有人会说电脑上看、画册上看也能总结出这些,但是看真迹的最大意义在于:直观感受和实感体验,带给你的那种冲击力和震撼。
  
  虽然美学是种理论,但理论在美面前永远那么匮乏。
  
  初中历史书上介绍范宽溪山行旅图,5厘米的图片,黑黢黢的画面,实在不知道这画好在哪里。文字再细述什么时代意义,皴的种类,山水的诗意都是浮云,心里觉得不好看一切评论都是耍流氓。后来看到南京的台北故宫原画复制展,站在两三米高的大画面前才感受到那种扑面的气势,浓郁的色调,这时候才知道古人诚不欺我。
  
  
 
 
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